dilluns, 14 de desembre del 2015

FRÉDÉRIC BAZILLE


La vista del poble. 1868

Un pintor malaguanyat

El juliol de 1870 la Prússia de Bismark i la França de Napoleó III es van embardissar en una guerra en la que els prussians van arrabassar als francesos l’Alsàcia i la Lorena i van provocar la caiguda de l’emperador. Però amb la República les coses no van millorar pels francesos.

 A finals de novembre en els enfangats camins del front, prop de Beaune la Rolande, al departament de Loiret a l’ Orleanès, un home d’una cinquantena d’anys, vingut des de Montpeller, buscava amb afany el seu fill de qui li havien dit que havia estat ferit. No el va trobar. El vicari de Beaune  li va dir que feia pocs dies havien enterrat un munt de soldats i que un d’ells el recordava molt alt i amb barba. Aquell home el va fer desenterrar i en reconèixer el seu fill va iniciar una cursa d’obstacles per emportar-se’n el cadàver.

Al poble no hi havia taüts. El fuster va improvisar-ne un amb caixes de galetes. Tampoc no hi havia cavalls ni mules per fer-ne el transport, tots requisats per l’exèrcit. Un hortolà li va vendre el seu carretó i amb l’ajuda d’un pagès aquell pare va emprendre una marxa que va durar cinc dies, a peu sota la neu, fins que van arribar a Issoudun on van poder agafar el tren que els va tornar a Montpeller.

Encara el dia abans, en un hostal, una colla de gent va avisar les autoritats per aquella estranya càrrega. Al pobre home el volien afusellar per espia fins que, incrèduls d’allò que explicava, van destapar la caixa i van veure el macabre contingut.

Aquell soldat, mort al front, era un xicot de 29 anys que s’havia allistat a un regiment de zuaus malgrat haver estat alliberat del servei militar per la compra d’un substitut. Però també era un artista prometedor, un pintor de raça: Frédéric Bazille.

La seva vida -  Jean-Frédéric Bazille va néixer a Montpeller el 5 de desembre de 1841. La família Bazille formava part de l’alta societat protestant, un grup endogàmic que s’havia anat enfortint des del segle XIII i que, com molts dels protestants es van enriquir encara més amb la desamortització dels béns dels catòlics.

            El seu pare, Gaston Bazille, era viticultor i agrònom i persona molt respectada en el seu entorn. Va ser un dels que van contribuir a refer les vinyes franceses després de la fil·loxera. També va ser senador de l’Hérault. Un home notable decantat cap al món artístic. La seva influència i la d’un amic de la família, Alfred Bruyas, banquer i col·leccionista de pintura van ser decisives pel descobriment de la vocació del jove Frédéric.

            Però el seu pare no s’estava de romanços i el va obligar a estudiar medicina, una professió de debò. El calvari que aquell noi va passar remenant cadàvers putrefactes, sovint robats dels cementiris de París, el va decidir a deixar els estudis i dedicar-se a allò que li agradava: la pintura.

            Al taller de Charles Gleyre, mestre de pintors, hi havia trobat els amics que marcarien la història de la pintura: Monet, Renoir, Sisley, Corot, Cézanne, Pissarro. També va conèixer Courbet, Baudelaire i Verlaine. I va rebre lliçons de piano d’un aleshores desconegut Gabriel Fauré.

La vida a París, tot i l’ajuda familiar, era més aviat de misèria compartida, sobretot amb Claude Monet que no tenia un ral, carregat de problemes familiars. Bazille, que era un bon dibuixant, s’aferrava a Monet perquè li agradava la seva manera de pintar i el seu mestratge. Les teles que va pintar Bazille en set anys escassos demostren aquella precarietat: al principi no tenien diners per llogar models i els quadres, o són de familiars i amics o paisatges o són la representació dels seus diversos tallers que van haver d’anar canviant en ser desnonats per falta de pagament. Però totes reflecteixen el tremp d’un pintor de raça.

Les escenes familiars i els exteriors pintats a Méric, la finca familiar d’estiu, o a Aigües Mortes, són, junt amb els retrats del seu amic Edmon Maître i el seu autoretrat amb la paleta les obres més destacades de Bazille. Tothom s’ha preguntat fins on hauria arribat la seva tossuda voluntat de ser pintor, si no hagués tingut la mala idea d’allistar-se en el més arriscat dels cossos d’infanteria de l’exèrcit francès. Els zuaus. Renoir deia, amb sornegueria, que ho havia fet perquè era l’únic cos militar on no calia afaitar-se la barba.

El dia abans de la seva mort l’havien ascendit a sots-tinent. El seu capità el va convidar a sopar amb els oficials i en el brindis Bazille va dir: Per mi. Estic segur que no em mataran: tinc massa coses per fer a la vida!

Un any després de la seva mort, el vicari de Beaune la Rolande va rebre un quadre sobre El casament místic de Santa Caterina, la còpia d’un de Veronese que Frédéric Bazille havia pintat l’any 1863. Era un regal del pare del pintor que també va fer construir un petit monument en el lloc on va trobar el seu fill enterrat. A l’ajuntament del poble hi tenen un retrat de Bazille i li han dedicat un carrer. Reconeixement estèril a canvi d’una vida malmesa per l’estupidesa de la guerra. La vida de Frédéric Bazille, un pintor malaguanyat.

Bibliografia
Michel, F.B. Frédéric Bazille. 1841-1870. Éditions Grasset & Fasquelle. 1992 París.

Publicat el setembre de 2011


ELS ANYS DE GIVERNY

El pont japonès. 1918

Les intimitats del pintor Claude Monet

L’Editorial Turner de Madrid va publicar Los años de Giverny. Correspondencia. Claude Monet, un recull d’algunes de les dues mil cinc-centes cartes que el pintor Claude Monet (1840-1926) va escriure des del 1883 a Giverny on va viure els darrers quaranta tres anys de la seva vida.

            Monet no era literat i les cartes ho corroboren però la seva sinceritat i el seu estil senzill, amè i directe ens donen una visió exacta del seu temperament al mateix temps que ens il·lustren sobre el seu modus operandi i ens informen de tot allò que pensava sobre els esdeveniments artístics, polítics o literaris d’una època tan convulsa.

            El 1883 el grup dels impressionistes ja s’havia dispersat. Monet acostumava a pintar els hiverns lluny de casa seva, sol, però cada dia escrivia a Alice Hoschédé, la seva segona dona amb qui es casaria el 1892 i que tenia cura dels seus sis fills i dels dos que Monet havia tingut amb Camile Doncieux, morta el 1879.

            Les cartes a Alice, a qui no va tutejar fins que es van casar, són una descripció de totes les dificultats amb que es trobava per obtenir el seu objectiu: pintar molt i pintar molt bé. La meteorologia hi és present en totes i marca el seu estat d’ànim o de desànim; la malenconia de la separació i l’esforç constant per demostrar-li la seva fidelitat que Alice, pel que es deriva de les respostes de Monet, posava constantment en qüestió fins el punt que, en un moment determinat, es van plantejar la seva separació. Afortunadament el retorn a Giverny, carregat de teles, sempre solucionava la situació.

            No s’estalviava d’explicar anècdotes com la presència al seu hostal de quatre velles aquarel·listes britàniques o el dia que, tot pintant els penya-segats d’Etretat, a Normandia, una onada el va estampir a les roques, li va trinxar el cavallet i els estris de pintor, pinzells i tubs, i li va quedar la barba acolorida amb els olis de la seva paleta.

            Monet era tossut i, si el temps li ho permetia, pintava tot el dia: avui ha estat un dia esplèndid, he pintat 14 teles!.  Molt exigent: Acabo de destruir 30 quadres. I molt treballador com ho demostra que en un mes i mig d’estada a Londres hi va pintar 80 obres.

            L’altre gran destinatari de les cartes de Monet era el seu marxant, Paul Durand-Ruel. Amb ell les cartes són d’informació de la seva feina; dels quadres que té o tindrà disponibles per complir el contracte d’exclusivitat que el marxant imposava. Al principi Monet reclamava constantment la tramesa de diners a ell o a la seva família. Amb el pas del temps, quan l’economia dels pintors va millorar perquè Durand va obrir el mercat americà, les demandes de diner es van limitar a ocasions extraordinàries, com la compra, el 1890, de la casa de Giverny per 20,000 francs, o l’adquisició d’un automòbil que, sigui dit de passada i segons es desprèn d’una carta al prefecte de policia, li va suposar un requeriment per conduir massa ràpid pels carrers de Giverny, acusació que Monet rebutjava amb ardidesa.

            De les cartes al seu marxant se’n desprèn l’evolució dels preus de les pintures. Si en els primers temps es parlava de centenars de francs, al cap dels anys, Monet ja valorava els seus quadres en desenes de milers. L’estira i arronsa entre el marxant i el pintor va ser constant i va passar per moments delicats ja que Durand, entestat en la pintura impressionista que a França va ser menystinguda per la crítica i el públic, va passar per dificultats que el van obligar a fer suspensió de pagaments.

            Monet va trobar altres venedors però l’amistat amb Durand es va refer al mateix temps que la seva economia i li va guardar fidelitat absoluta tota la seva vida, si bé sense la rèmora de l’exclusivitat.

            La resta de la correspondència deixa constància de les relacions amb personatges de la vida artística com Renoir, Cézanne, Pissarro, Berthe Morisot, Sisley, Degas, Rodin i altres; amb literats con Zola i Mallarmé; amb polítics com Georges Clemenceau i il·lustra els esforços de Monet encapçalant campanyes d’ajuda als fills de Sisley, mort en la misèria, o a la vídua de Manet a qui van adquirir, amb una subscripció entre els amics, el seu Olimpia per regalar-lo al Louvre.

            Altres aspectes del tarannà del pintor, com la seva afició a la jardineria i la construcció i manteniment del seu jardí de Giverny, on va pintar la seva darrera sèrie dels Nenúfars, es reflecteixen detalladament en les cartes on donava instruccions a la seva dona i als jardiners, indicant què i quan s’havia de plantar i com s’havien de cuidar llavors, planters i esqueixos.

            Monet no estalviava l’explicació d’allò que veia i vivia, com l’enterrament de la reina Victòria en una de les seves estades a Londres o el trencament social que va suposar l’affaire Dreyfus que va enfrontar els seus amics – Pissarro, anarquista i Degas, antijueu – tot i que ell va fer mans i mànigues per mantenir l’amistat amb tots i la cohesió del grup. I tantes altres coses...

            La lectura d’aquestes cartes aclareix un dels tòpics que il·lustrava la fama dels impressionistes, com és el fet que Monet, després de prendre apunts del natural, à plein air, i de començar-ne les pintures, sempre les acabava al seu taller. Els 80 quadres de Londres no va dubtar en deixar-los fins l’any següent i va trigar gairebé cinc anys en donar-los per acabats i exposar-los.

            Al final dels seus anys, quan era considerat un pintor de renom i una glòria del país, Monet en una de les seves cartes escrivia: Jo només tinc el mèrit d’haver pintat directament del natural tot tractant de plasmar les meves impressions davant els efectes evanescents i segueixo lamentant haver estat la causa del nom que es va donar al grup, la majoria del qual no tenia res d’impressionista. Una declaració de sinceritat, com en totes les seves cartes.

Bibliografia
Monet, C. Los años de Giverny. Turner Publicaciones S.L. Madrid. 2010

Publicat l'octubre de 2011


CLAUDE MONET



El Parlament. Bretxa de sol a la boira. 1904


Caçador d’impressions


Al Grand Palais de París es va presentar una gran exposició de Claude Monet que va estar oberta des del 22 de setembre de 2010 fins el 24 de gener de 2011. En ella s’hi podia repassar tota la trajectòria artística del que va ser considerat el més important dels pintors impressionistes i l’autor de la tela Impression, soleil levant que va provocar que el crític Louis Leroy els motegés amb aquell adjectiu.

L’exposició del Gran Palais explicava les diferents etapes pictòriques de Monet des  que a l’any 1865 va fer entrada al món de l’art amb l’exposició al Salon d’aquell any de dues marines. La seva era ja una pintura lluminosa, que inseria la figura humana en els paisatges captats a l’aire lliure. Fins el 1886 va sovintejar els quadres de noies amb ombrel·les blanques. A La Grenouillère, amb Renoir, va encetar l’estil impressionista: pinzellades curtes, cops de pinzell que servien per reflectir el cel dins de l’aigua bellugadissa d’aquella guingueta.

A Argenteuil hi va pintar amb Manet, Renoir i Sisley i entre tots van assolir la plena expansió d’un moviment que topava amb els crítics més ferotges i encarcarats del país. Val a dir que Edouard Manet, tot i ser de la colla, mai va voler exposar amb ells ni ser-ne considerat un afiliat. A Paris, Monet a més de pintar parcs, jardins, bulevards, i l’estació de Saint-Lazare, es va convertir, amb alguna de les seves obres, en un reporter d’esdeveniments extraordinaris com en el quadre La Rue Montorgueil, fête du 30 juin 1878 que va fer per reflectir la festassa organitzada per l’exposició universal d’aquell any.

            De 1880 a 1886 són freqüents els quadres dels penya-segats de la costa normanda. En aquella època es va començar a pagar bé la seva pintura. Anys més tard Monet va iniciar les seves sèries de pintures. Ho feia, deia, per poder retenir allò fugisser, la llum, diferent segons les hores, sobre el mateix subjecte: sobre els pallers,  els pollancres o la façana occidental de la catedral de Rouen amb quadres que reflectien les variacions de la llum, fets amb la voluntat de copsar la instantaneïtat, la impressió d’un moment efímer, una de les dèries dels impressionistes. Guy de Maupassant deia de Monet que era un caçador a la percaça d’impressions.

            Els anys 1899, 1900 i 1901 Monet va tornar a Londres, on havia estat refugiat durant la guerra franco-prussiana el 1870. De Londres li interessaven els efectes de la boira en el paisatge i en va arribar a pintar 100 teles. El 1908, als seus 68 anys va descobrir Venècia que el va fascinar per la seva arquitectura sobre l’aigua, un dels elements recurrents en la pintura de Monet.

            El 1914 va començar una de les sèries que l’ocuparien fins a la seva mort. Els Nenúfars un seguit de quadres que va regalar a l’Estat acabada la guerra, el 1918, i en els que s’hi reflecteix tota la saviesa pictòrica de Monet. Inspirats en els jardins de la seva casa de Giverny que havia dissenyat ell mateix, alguns d’ells s’acosten a l’abstracció: sense cel, sense perspectiva, reflecteixen i amplien en quadres de grans dimensions, tot un seguit de colors i de formes inspirats en els seus nenúfars.

Un home curiós –Claude Monet va néixer el 14 de novembre de 1840 a París però va passar la infantesa i l’adolescència a Le Havre, on feia caricatures amb molta traça. Abans del servei militar a Algèria va conèixer Pissarro i després, Renoir, Bazille i Sisley. Monet deia que per pintar havien de concórrer tres condicions: seguretat econòmica, tenir una família i tenir una casa. Van haver de transcórrer molts anys abans no va poder reunir-les totes. La seguretat econòmica se li va trastocar perquè, com també els havia passat a Pissarro, a Renoir, a Cézanne i a  algun altre, l’arribada de fills il·legítims tinguts amb les seves models, li havia suposat perdre l’ajuda econòmica paterna.

Monet, un cop casat amb Camille Doncieux el 1870, quan el seu fill Jean ja tenia tres anys, va passar penúries en les quals el va ajudar Manet comprant-li 10 quadres. A la mort del seu pare, el 1871, va rebre una petita herència que els va permetre instal·lar-se a Argenteuil. Després es va trobar que un dels seus col·leccionistes, Ernest Hoschedé es va arruïnar. Monet va compartir casa a Vétheuil amb la família Hoschedé que tenia sis fills. Tot això l’any 1878, any del naixement del seu segon fill Michel. L’any següent va morir Camille als 32 anys i poc temps després va desaparèixer Ernest Hoschedé. Monet es va avenir a ajuntar-se amb Alice Hoschedé, i els seus sis fills amb qui, el 1883 s’instal·laria a Giverny i nou anys després, coneguda la mort d’Ernest es casaria. Ja tenia una família i una casa.

La seguretat econòmica li va venir quan els americans van començar a comprar-li obres. Pissarro es queixava dient que els americans només compraven monets. Al seu voltant, a Giverny, s’hi va establir una colònia de pintors americans que van trastocar la petita població. Amb l’astorament dels vilatans hi van arribar a construir una pista de tenis!

Claude Monet, un cop assolida la seguretat econòmica, es va convertir en un home obert a tots aquells invents moderns que facilitaven la vida familiar, sobretot a les dones. Tenien nevera i màquina de picar carn, però també planxa i màquina de cosir. L’època s’ho portava: a l’exposició universal de 1878 hi havia set tipus diferents de màquines de rentar. Les comoditats de la llar, Monet les complementava amb la construcció i manteniment del seu jardí i del seu hort. Va arribar a tenir 6 jardiners, 1 cuinera, 1 rentadora i 1 donzella a més a més d’un xofer que conduïa el seu flamant Panhard-Levassor.

El 1911 va morir Alice. Claude Monet el 5 de desembre de 1926.

A l’exposició del Grand Palais tancada el gener passat, hi van acudir 900.000 persones, algunes de les quals van fer hores i hores de cua per entrar. Els dos darrers dies, les sales del museu van restar obertes i plenes de visitants les 24 hores del dia. Els francesos sempre s’han estimat allò que és seu i Monet, amb tota la seva nombrosa producció, no n’és una excepció.

Bibliografia

VVAA. Monet 1840-1926 Album de l’exposition. Galeries nationales, Gran Palais, Paris. 2010
Todd, P. Los impresionistas en casa. Alianza EditorialS.A. Madrid 2005

Publicat l'abril de 2011


PAUL KLEE



Senecio 1922

L’alemany que no va poder ser suís

Paul Klee, pintor, dibuixant, violinista, mestre, escriptor i teòric d’art, va ser, després de Picasso, qui més va influir en la creació artística del segle passat. Productor en els seus inicis d’obres de petit format, dibuixos i aquarel·les amb les pintures d’èpoques posteriors va arribar a acumular 9.800 obres com recull el seu catàleg raonat.

            La característica principal d’aquesta producció és la impossibilitat d’adscriure-la a cap dels moviments del seu temps. Tot i haver format part dels fauves alemanys, Klee va conrear sempre un estil personal inclassificable. Proper als cubistes, festejat pels surrealistes, puntillista a estones, la seva obra és plena de símbols que, al llarg del temps, han influït i inspirat a molts altres artistes.

            Klee va sobresortir especialment durant la seva etapa de mestre a la Bauhaus, de 1921 a 1931. Va ser en aquest període que va publicar les seves teories, alguna de les quals, com el Llibre pedagògic d’esbossos es va convertir en un dels textos importants de teoria artística.

La seva vida – Paul Klee va néixer el 18 de desembre de 1879 a Münchenbuchsee, prop de Berna. El seu pare, Hans Klee, era alemany i feia de professor de música. La seva mare, Ida Klee, suïssa, era cantant. Amb 19 anys, Paul se’n va anar a viure a Munic on va conèixer Lily Strumpf, pianista, amb qui es casaria el 1906.

            El 1910 va fer la seva primera exposició amb 56 obres al Kunstmuseum de Berna, mostra que va viatjar també a Zuric, Wintertur i Basilea. Klee començava a ser conegut. Kandinsky i Franc Marc el van introduir a Der Blaue Reiter i en un viatge a França va fer amistat amb Robert Delaunay, Henri Le Fauconnier i Karl Hofer. El 1914 va viatjar amb August Macke a Tunísia. Tothom està d’acord en assenyalar que Paul Klee hi va descobrir el color i que es va convertir des d’aleshores en l’element essencial de la seva obra pictòrica i en el tema principal de les seves teories. En tornar de Tunísia va exposar a Berlin amb Marc Chagall.

            Per la Gran Guerra l’exèrcit alemany el va mobilitzar i va ésser destinat als tallers de construcció d’avions militars, però això no el va impedir, el 1917, d’exposar a la galeria Der Sturm de Berlin, amb gran èxit de crítica, de públic i de vendes. El 1920 al cap d’un any de ser llicenciat, hom li va muntar una retrospectiva amb 362 obres.

            El 1921 va començar la seva etapa pedagògica a la Bauhaus, la prestigiosa escola de disseny. Primer a Weimar i després a Dessau. Hi va dirigir successivament el taller d’enquadernació, el d’orfebreria, el de pintura sobre vidre, el de dibuix lliure i dibuix de nu i el de disseny tèxtil. En va plegar, el 1931 amb el fundador, Walter Gropius. Va obtenir una plaça de professor a l’Acadèmia de Düsseldorf d’on en va ser expulsat pels nazis el 1933. El van tractar com un jueu, sense ser-ho.

            El retorn a Suïssa per la insistència de la seva dona li va pacificar la vida i un contracte amb el marxant Kahnweiler, les seves finances. Es va estalviar l’escarni de l’exposició d’Art Degenerat, on hi figuraven 17 obres seves i la venda a l’estranger de 102 peces requisades pels nazis a col·leccionistes privats.

            L’any 1937 es va trobar amb Picasso a qui va mostrar les seves darreres obres. Picasso se les va mirar amb atenció però no va fer cap comentari. Hi ha qui assegura que les figures d’alguns dels quadres posteriors del malagueny podrien estar inspirats en aquelles obres de Klee.

            El 24 d’abril de 1939 Paul Klee va sol·licitar la nacionalitat suïssa. Pocs dies abans de ser-li concedida, el 29 de juny de 1940, Klee va morir a la Clínica de Santa Agnès de Locarno-Muralto.

El Zentrum Paul Klee – A Berna amb la donació per part dels familiars de més de 6000 obres de Klee i amb l’aportació de 60 milions de francs suïssos d’un metge suís més la contribució de les institucions, hom ha construït un edifici singular, ondulant, esplèndid, obra de l’arquitecte Renzo Piano, un dels autors del Centre Pompidou de París que es proposa ser, no pas un museu, si no un centre cultural dedicat a les arts plàstiques, a la música, a la literatura, al teatre i a la difusió, es clar, de l’artista.

            A més de conservar i exhibir l’obra de Klee també munten exposicions temporals. La d’aquest estiu* es titulava Klee troba Picasso i rondava sobre la trobada comentada entre els dos artistes. La quantitat i la qualitat d’allò exposat en feien una gran exhibició artística.

Bibliografia

Cantz H.– Zentrum Paul Klee. Le guide. Berna. 2005

*Publicat el novembre de 2010

JAUME MERCADÉ



Els Garidells. 1930

El patriarca de la pintura catalana

Gabriel Ferrater va publicar un article a Alcalá,22 el 10 de desembre de 1952 titulat De la pintura catalana actual on feia un aterridor repàs a la nòmina d’artistes catalans i els retreia a cadascun les seves febleses i l’estancament de la seva pintura, invitant a comprovar-ho amb la comparació de les exposicions d’aquells anys amb les d’abans de la guerra. Però també deia: Sólo, en definitiva, tres hombres resisten a la prueba. Y son, ciertamente, los tres que ya veinte años atrás eran “i piu forti”: Joaquín Sunyer, Jaime Mercadé, Miguel Villà. Son (y no vamos a motivar nuestra afirmación) tres grandes pintores y a ellos se reduce la única posible tradición de la pintura catalana.

Jaume Mercadé va néixer a Valls el 22 de juliol de 1889. Des de jove va manifestar les seves dots pel dibuix i la pintura. Anava als escolapis i els pintava els decorats pels Pastorets. Davant d’aquesta afecció, el seu pare, previsor, el va obligar a aprendre un ofici. I el noi es va fer orfebre, ofici que va anar a aprendre al Gremi de Joiers de Barcelona i al taller de Jaume Sunyer.

També es va apuntar a l’Escola d’Art de Francesc d’A. Galí, una escola on ensenyaven a mirar com a primera premissa artística. Tornat a Valls el 1909 disposava d’una botiga amb taller i un estudi on va començar a pintar seriosament al mateix temps que creava joies. El 1916 es va instal·lar a Barcelona i al cap d’un any ja va fer la seva primera exposició de joies i pintura a les Galeries Laietanes amb un gran èxit de crítica. Josep Puig i Cadafalch, aleshores president de la Mancomunitat de Catalunya va visitar aquella exposició i en va sortir tan impressionat que va oferir a Mercadé una plaça de professor d’orfebreria a l’Escola Superior de Bells Oficis que dirigia, precisament, Francesc d’A. Galí.

La vida de Mercadé transcorria entre viatges a l’estranger i exposicions de les seves creacions. L’agost de 1922 es va casar amb Rosa Farrés i l’any següent naixia el seu fill Jordi que, amb els anys, també seria pintor. La situació política, complicada amb la Dictadura va fer el que destituïssin, junt amb altres professors i funcionaris de la Mancomunitat. Però va continuar amb la seva activitat artística que li va ser reconeguda, tan com a orfebre – la Medalla d’Argent a Paris el 1924 i el Gran Premi i Medalla d’Or de l’Exposició Internacional de Barcelona, el 1929 – com a pintor, amb el premi de la Diputació de Barcelona en el concurs Barcelona vista pels seus artistes per l’obra El zepelí, una pintura dels terrats de Barcelona d’una considerable complexitat.

El març de 1938 es refugia a Viladrau i en acabar la guerra torna a Barcelona i reprèn les seves activitats que, a més de premis com la Medalla d’Or de la IX Triennal de Milà, el 1951 o el Gran Premi de la III Bienal Hispano-Americana de Arte, a Barcelona el 1955 en orfebreria, li van anar consolidant el respecte i admiració dels joves pintors. Alexandre Cirici Pellicer va escriure a Revista el 28 de novembre de 1959 que Jaume Mercadé era el patriarca de la pintura catalana. Consideració i entusiasme que van perdurar més enllà de la seva mort el 26 d’abril de 1967.

La seva pintura – Mercadé va conrear tot tipus de temes – natures mortes, nus, retrats – però sobre tot va excel·lir en la pintura de paisatges de la seva terra natal. Els boscos i camps del Priorat, de la serra de Prades, de la Conca de Barberà – el monestir de Poblet – i el Camp de Tarragona, es repeteixen en els quadres de les diferents etapes de la seva paleta. Inicialment amb games fredes, grisos i blancs, després lleugerament fauve amb ocres i sèpies per descolorir-se uns anys més tard, segurament després de conèixer Cézanne. Retornat a la gama més colorista dels fauves va distingir la seva darrera etapa amb la barreja de sorra als pigments. Aquesta etapa textural, iniciada després d’un viatge a París, va facilitar a Mercadé la forma idònia per a reproduir els garrofers, les oliveres, els boscos, els turons i l’aspror de la seva terra.

Mercadé va ser un pintor honest, creatiu, rigorós, que traslladava a la tela el sentiment que la naturalesa del seu voltant li provocava. Ho deia Carlos Antonio Arean en el programa d’una exposició a l’Ateneo de Madrid, l’any 1963: Una Cataluña con raíces más de veinte veces seculares palpita en todas estas obras.

            També l’ esmentat Alexandre Cirici el juny de 1967 escrivia a Serra d’Or: Era el més gran paisatgista de la nostra pintura d’aquest segle.

Bibliografia
Jardí, E. Jaume Mercadé. Pintor de una tierra. Ed. Polígrafa, Barcelona. 1977
Corredor-Matheos, J. Jaume Mercadé. Museu Diocesà de Barcelona. Fundació Banc Sabadell. Barcelona. 2000

Ferrater, G. Sobre pintura. Biblioteca Breve. Editorial Seix Barral S.A.. Barcelona. 1981

Article publicat el desembre de 2010

dimarts, 8 de desembre del 2015

JOAQUIM SUNYER



Pastoral 1910-1911

Un pintor mediterrani

Llegim a Joaquim Sunyer, pintor, com Josep Pla en els seus Homenots en diu que més que un instintiu més o menys dotat, més que un visual més o menys cultivat, Sunyer fou un artista intel·ligent, cosa que no sol pas sovintejar.
            Pla, que el va conèixer en el període d’entreguerres, amb la seva proverbial habilitat dibuixa la personalitat de Joaquim Sunyer i el descriu com un home equilibrat, independent, tranquil, de companyia agradable, ple de bon gust i coneixements, comprensiu i tolerant, obert a totes les curiositats... incapaç d’enganyar, però refractari a tot intent d’ésser enganyat.
            Joaquim Sunyer va néixer a Sitges el 20 de desembre de 1874. Quan tenia 15 anys la família es va traslladar a Barcelona. Sunyer va estudiar a l’Escola de Belles Arts amb Mir, Nonell i Torres Garcia.
En morir la seva mare, el 1896, es va escapar a París per estalviar-se el servei militar.
            A París hi va malviure i, com la majoria d’artistes, havia de vendre la seva obra per poder sopar o per pagar-se el llit. Amb un estil propi, que Pla qualifica d’impressionisme refredat, va començar a confegir una obra inspirada en els carrers, els cafès i la gent parisenca que conformaven el seu entorn, més aviat de misèria.
            L’any 1910 va tornar a Sitges i la seva obra va començar a incorporar paisatges . El seu paisatge, el paisatge mediterrani que li donava una nova perspectiva i que acabaria conformant el seu estil. El 1913 va viatjar a Itàlia on va descobrir, entre altres, la pintura de Luca Signorelli a la Catedral d’Orvieto. Tothom està d’acord en que aquella descoberta va ser decisiva per l’eclosió del Sunyer pintor. Els quadres de nus que va pintar a continuació recorden els nusos de Signorelli però Pla assegura, vista l’evolució de Sunyer, que allò que va descobrir a la capella de San Brizio era la ineludible necessitat de tenir un estil propi.
            Sunyer va ser un pintor noucentista. El seu estil senzill, la pinzellada transparent, la paleta lluminosa i la temàtica de les seves pintures, s’emmarcaven a la perfecció amb els objectius d’aquell moviment cultural català que esclatava al mateix temps que el catalanisme polític i que tantes figures – literats, pintors, escultors, arquitectes, músics – va descobrir.
            A rel de l’exposició de Sunyer a les galeries Faianç Català el 1911, Joan Maragall va fer un article a la revista Museum on elogiava un quadre, Pastoral, tot dient: l’aire és tan net que el paisatge sembla sense atmosfera, sense distàncies i que tot pot tocar-se perquè el sentit del tacte es transmet als ulls. El sentit del tacte transmès als ulls. Aquesta lloança del poeta presagiava les característiques d’una obra que Sunyer va mantenir sempre fidel al seu estil, segur de les seves facultats i dels seus recursos, sense ni tan sols ampliar la temàtica de les seves pintures: paisatges, maternitats, noies i nenes. Retratista sense concessions i gran creador de nus d’una saludable sensualitat.
            Sunyer va viure en molts indrets. De París en va haver de marxar en esclatar les dues guerres europees. A la primera s’instal·là a Sitges i a la segona a Banyuls. També havia estat a Ceret, a Sant Vicenç de Llavaneres, a Fornalutx, a Barcelona... Després de la guerra civil, obligat pels galeristes a fer freqüents exposicions, viatjava tant a Extremadura com a Andorra, a Montblanc, a Martinet, a Queralbs... El 1954 li van concedir el Gran Premio a la obra y a la vida de un artista a La Habana.
Sunyer va morir a Sitges l’1 de novembre de 1956 a punt de fer els 82 anys. A la seva tomba, Joan Rebull hi va esculpir el vers de Carles Riba, que diu:
            Sempre que el vostre cor farà
            la pau amb la terra
            gloriosa en la llum, pura, en
            les formes vivent,
            recordeu-vos de mi, que he ajudat
            la vostra mirada
            cap el que veig: renascut veig;
            no em mentien els ulls.
Sunyer ajuda la nostra mirada a contemplar els paisatges mediterranis i la seva gent. Ajuda a estimar el país.
             
Bibliografia
Benet, R. Sunyer. Ed. Polígrafa S.A. Barcelona. 1975
Jardí, E. El Noucentisme. Aymà S.A. Barcelona. 1980
Pla, J. Obra Completa. Vol 21. Homenots. Tercera sèrie. Edicions Destino.              
            Barcelona. 1981

Publicat el mes de juliol de 2010

JOSEP Ma de MARTIN


JOSEP Ma DE MARTIN. PINTOR I MESTRE DE PINTORS

Retrat de perfil. 1987

Article publicat el mes de febrer de 2001


Distribuir la saviesa

El passat mes de desembre alguns diaris – El Periódico, Josep M. D Cadena “L’aplom d’un cavaller” 22-XII-00, La Vanguardia, Mª D. Santandreu “Quod potui” 11-XII-00 o Regió 7 – es van fer ressò de l’exposició antològica que l’Ajuntament de Berga havia organitzat amb motiu de la concessió de la medalla d’or de la ciutat al pintor Josep Mª de Martin (Berga, 1920).

Josep Mª de Martin a la seva joventut es movia en cercles universitaris barcelonins. Llicenciat en Dret, va fer amistat amb gent com Néstor Lujan, Joan Perucho, Gabriel Ferrater i altres del grup que algú batejà com la generación del medio siglo. D’allà li ve el ser un lletraferit. Al llarg del temps ha publicat diverses obres entre les quals cal destacar els quatre llibres de poesia Els jornals al cos i El peu al coll (1975), La mosca al nas (1976) i El nus a la cua (1979), escrits amb el pseudònim de Bernat Meix i que seran reeditats per Sant Jordi.

També va conèixer Ramon Rogent i amb ell va començar a produir una obra pictòrica que, amb el temps i el seu enginy, va assolir un clar estil propi: coherent en les formes, equilibrat en la composició, precís en els colors, senzill en el dibuix, innovador en els temes, perfecte en l’ execució. Quan veus un dels seus olis de seguida dius: és un de Martin.

De Martin és també un excel·lent dibuixant, caricaturista i cartellista. Durant anys els cartells de la Patum de Berga van ser obra seva. Però la característica més rellevant, a criteri nostre, és que de Martin és un mestre. Ha sigut el mestre de tots aquells que, atrets per la seva personalitat, han volgut aprendre l’art de la pintura. Amb generositat ha anat explicant els seus coneixements, que són molt amplis, amb sentit de l’humor ha conduit els aprenents, amb paciència ha anat distribuint la seva saviesa a tots els que l’han volgut aprofitar.


Els que coneixen el senyor de Martin, perquè Josep Mª de Martin és un senyor, dels que encara porten corbata i et tracten de vostè,  estan cofois amb l’homenatge i el reconeixement que la seva ciutat li acaba de concedir. Pels que no el coneixen és una sorpresa descobrir l’obra d’un dels millors pintors del país.